Habitar lo colectivo, hospedar la pregunta.

Desarrollado por el colectivo Hornero Usina en el marco del proyecto Ventana Creativa, y en co-gestión con DESIE y CFP de  ANEP en sintonía con la línea de Ampliación del Tiempo Educativo, Crisálida #26 tendrá lugar los días 30 de junio, 1 y 2 de julio del 2026 en el Centro Agustín Ferreiro (CAF), Departamento de Canelones, Uruguay.
Declarado de Interés Ministerial por el MEC  y destinado a 65 docentes y/o educadores, Crisálida #26 propone la exploración de pedagogías creativas a través de la perspectiva del Arte como Educación.
Los participantes serán parte de una experiencia inmersiva con tiempo destinado al intercambio y reflexión teórica a través de actividades de  “provocación-ponencia-conversatorio” con referentes internacionales, talleres experienciales a cargo de destacados artistas-docentes uruguayos y actividades de creación colectiva trans-disciplinar.
Durante el mes de agosto y setiembre, los equipos de docentes/educadores serán acompañados por el equipo de gestión en el desarrollo de proyectos REC (Resortes de Educación Creativa) creados junto a sus estudiantes.

Se valorará la inscripción de tres o más docentes por institución o territorio (barrio, localidad, ciudad ). Es obligatorio la participación de las personas seleccionadas en todas las instancias de formación , acompañamiento y desarrollo de proyecto.
Modalidad Residencia (presencial) Desde el  martes 30 de junio hora 8:00,  hasta el jueves 02 de julio hora 16:00.

Si tenés interés y disponibilidad, pre-inscribite en este formulario hasta las 00:00 hs del día 15 de junio de 2026.

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CRONOGRAMA GENERAL

Martes 30/06
Mañana_ Apertura, Ponencias y Conversatorios
Tarde_ Talleres
Noche_Cena Colectiva

Miércoles 01/07
Mañana_ Desarrollo Proyectos REC
Tarde_ Talleres
Noche_Creación Colectiva (Metamorfía)

Jueves 02/07
Mañana_Desarrollo Proyectos REC
Tarde_ Cierre y Proyecciones1
6 hs_Partida a Montevideo

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PROVOCACIONES/PONENCIAS + CONVERSATORIOS
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CONVERSATORIO CON LUIS CAMNITZER (Virtual)



LUIS CAMNITZER (UY-EEUU)
Artista y pedagogo uruguayo que vive en Nueva York desde 1964. Participó en la Reforma del Plan de Estudios de la Escuela Nacional de Bellas Artes donde luego impartió clases hasta 1963. Es profesor emérito de la State University of New York, College at Old Westbury; entre 1999 y 2006 fue curador para artistas emergentes en The Drawing Center, Nueva York; fue curador pedagógico de la 6.a Bienal de Mercosur y curador pedagógico de la Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil, de 2007 a 2010. Hasta 2012 fue asesor pedagógico de la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Camnitzer, cofundador del colectivo Arte como Educación, recibió numerosos premios y becas y su obra se encuentra en las colecciones de más de treinta museos.


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QUÉ LE HACE LA POESÍA A NUESTRAS FORMAS DE ESTAR Y CONOCER EL MUNDO?
CONVERSATORIO CON PAULA SIMONETTI  (PRESENCIAL)
La poesía no será aquí el tema de conversación, sino el método. Una práctica que interrumpe la linealidad del pensamiento, altera los usos habituales del lenguaje y habilita la duda, la imaginación y el asombro. ¿Qué sucede cuando ingresa en los espacios educativos? A partir de la lectura de poemas y de pequeñas activaciones colectivas, vamos a detenernos en preguntas: ¿qué formas de conocimiento aparecen cuando suspendemos, aunque sea por un momento, la necesidad de entenderlo todo? ¿qué ocurre cuando la atención se desplaza hacia lo pequeño, lo inútil o lo que suele quedar al margen? ¿puede la poesía acompañar otras maneras de escuchar, investigar y construir comunidad? ¿es posible pensarnos, docentes, educadoras y educadores, como recolectoras y recolectores de fragmentos, historias, imágenes, palabras y sentidos dispersos que, en el encuentro. transforman la experiencia compartida Vamos a pensar en la escritura poética como una práctica de dispersión y recolección: un modo de trabajar con restos, voces, memorias, materiales y preguntas para activar nuevos sentidos. El encuentro busca abrir un espacio de experimentación, escucha y conversación donde habitar la poesía permita tensionar algunas de nuestras ideas sobre la educación, el conocimiento y las formas de estar juntas y juntos en el mundo.
La invitación es a permanecer un rato en las preguntas.


PAULA SIMONETTI  (URUGUAY)
No nací en Jacinto Vera pero anduve cerca. Me mudé tantas veces, siempre rodeando el Río de la Plata, que enmudezco ante la pregunta ¿de dónde sos? Acarreo libros de una casa a la otra, de un barrio a otro, de una ciudad a la otra, aunque sé que bien podría trasladar todas esas cajas a un ebook. No lo hago y no tengo una explicación que me parezca razonable. Soy Doctora en Sociología, Magíster en Sociología de la cultura, Licenciada en Letras, docente e investigadora. Integro movimientos sociales y de cultura comunitaria en Uruguay y Argentina, en donde también coordino talleres literarios hace muchos años, virtuales, en cárceles, en barrios, en centros culturales, con personas sin hogar. Publiqué los poemarios En la boca de los tristes (Lo que vendrá, 2013) y El Conocimiento y la Ignorancia (La Coqueta, 2018), que se reeditó en Argentina (elandamio ediciones 2020) y en Brasil (Istoé, 2023). Estos libros tuvieron algunos reconocimientos en Uruguay y me llevaron de viaje a encuentros, ferias, y festivales donde se va tejiendo esa complicidad entrañable entre poetas. Recientemente publiqué En deuda (El Pez Soluble, El salvador, 2026) y Provocaciones para desarmar la escritura (2023). Camino por varios mundos y eso a veces hace crecer en mí la sensación de ser una invitada o estar de visita, aunque todos ellos me apasionan. Podría decir que me convocan la poesía, las ciencias sociales, el café, la política, el amor y la amistad
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ACTIVACIÓN  CON WALTER FERREIRA (PRESENCIAL)


WALTER FERREIRA
Es poeta y activista en derechos humanos. Actor de la Escuela de Acción Teatral Alambique,  gestor sociocultural  y coordinador de talleres literarios. Recorrió cárceles, hospitales psiquiátricos, liceos y universidades, trabajando con técnicas de escritura diversas y generando eventos, simposios, slams poéticos, recitales. Desarrolla experiencias de escritura creativa en México, Colombia, Chile, Argentina y Costa Rica, dirigidas a escritores, activistas de derechos humanos y equipos de trabajo en salud mental y adicciones. Coordinó el Programa Urbano desde 2012 a 2026. Actualmente es director de Casa de Sueños,  coordinador del Programa Puntos de Cultura, MEC, representante de gobierno uruguayo (REPPI)  ante la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) Presidencia Programa Iber-Rutas. Autodidacta, ha desarrollado diversos dispositivos artísticos  en performance, con grupos, equipos y elencos, en danza y teatro físico, orientando siempre las experiencias hacia la escritura como una práctica liberadora y generadora de acontecimientos.
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CONVERSATORIO CON NATALIA DE LEÓN (PRESENCIAL)


Artista visual, investigadora y docente. Licenciada en artes por la Universidad (París VIII) y en Comunicación Social (UdelaR), y Maestranda en Filosofía Contemporánea de la Udelar. Su producción artística y de investigación se desarrolla desde las imágenes fotográficas, experimentando desde las prácticas analógicas y experimentales y proponiendo un pensamiento desde las singularidades, posibilidades y efectos de estas imágenes. Miembro del Laboratorio de Cine de la Fundación de Arte Contemporáneo (fac), desde el 2011. Cofundadora de la Colectiva COCO, desde 2016 producen y coordinan proyectos artísticos de investigación, educación y acción sobre el campo del arte con perspectiva de género y decolonial. Fundadora y directora de La Hoguera, una comunidad de artistas que desde el 2024, ensaya nuevas formas de hacer arte y ser artista, desde dinámicas del feminismo comunitario, la práctica situada en territorio y dinámicas colectivas de creación, pensamiento y acción. Desde 2009 participa en muestras y acciones artísticas nacionales e internacionales, charlas, seminarios, festivales y bienales.

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METODOLOGÍAS ESQUEJE. INTRODUCCIÓN AL DISEÑO DE EXPERIENCIAS EDUCATIVAS CON ARTE CONTEMPORÁNEO CON MARÍA JOSÉ AMBROIS y MARIANA VALDÉS (PRESENCIAL) ____________________________________________________________________________________________________________________________
Este conversatorio invita a descubrir cómo las estrategias del arte contemporáneo pueden convertirse en motores de experiencias educativas transdisciplinarias, críticas y sensibles, diseñadas desde y para el territorio.
A través de una navegación guiada por contenidos seleccionados de arteyeducacion.org, se compartirán recursos abiertos que enlazan prácticas artísticas actuales con preguntas urgentes y significativas para nuestras comunidades Al ser el último día del seminario, el encuentro se centrará en “bajar a tierra” lo que implica elaborar prácticas educativas desde un enfoque artístico contemporáneo, orientadas a la creación de posibles proyectos territoriales. Se propondrá una traducción accesible de la noción de metodología situada: inventar modos flexibles y dinámicos de enseñar y aprender que partan de las realidades locales, reconociendo el arte como herramienta para leer críticamente y transformar el presente. Elegimos el título “Metodologías esqueje” porque esta imagen botánica es metáfora de prácticas que, al desprenderse y hallar condiciones propicias, generan nuevas raíces en contextos distintos. Así como una planta puede expandirse y reinventarse a partir de un fragmento, las metodologías esqueje se multiplican y cobran vida propia en cada territorio.


MARÍA JOSÉ AMBROIS_ ARTISTA VISUAL + MARIANA VALDÉS_EDUCADORA
Dirigen arteYeducación (aYe), una asociación civil sin fines de lucro fundada en 2019 que promueve el arte contemporáneo como herramienta educativa para la transformación social. Ha consolidado una trayectoria que articula formación docente, mediación cultural y acciones colectivas en diversos espacios. A través de sus plataformas digitales abiertas, difund metodologías actuales y pensamiento crítico, democratizando el acceso al arte contemporáneo en diversos contextos. Desde 2020 desarrolla talleres, acciones colectivas capacitaciones en Ceibal, MACA, EAC, SUBTE, CCE, MNAV, entre otros, y desde 2023 coordina la Diplomatura Tallerista en Artes Visuales en la Universidad Católica del Uruguay. Reconocida por los Fondos Concursables (2020), Fondos de Incentivo Cultural (2021, 2023, 2025) y Fundación Itaú (2023, 2024), aYe ha fortalecido su identidad institucional, expandid su presencia digital y desarrollado programas de formación en mediación cultural y museología crítica. Entre ellos destaca Museos para el s. XXI (MNAV 2023, CCE 2024), con especialistas internacionales y participantes de todo el país, centrado en el potencial educativo de los museos y su alineación con los desafíos contemporáneos. Sus integrante han sido invitadas a congresos y coloquios internacionales (NAEA en EE.UU. 2024, Coloquio Tijuana, Diálogos Educativos en México 2025), posicionando aYe como referente regional en educación artística basada en arte contemporáneo.
arteyeducacion.org
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VENTANA CREATIVA Y LOS RESORTES DE EDUCACIÓN CREATIVA |CONVERSATORIO CON HORNERO USINA
El proyecto Ventana Creativa tiene como objetivo promover el arte como educación colocando a los procesos creativos, la reflexión, la colaboración y la inclusión, como habilidades esenciales para el desarrollo humano y construcción de comunidad.
Desarrolla los Resortes de Educación Creativa (REC) como dispositivos pedagógicos y el Seminario Crisálida como espacio de formación y reflexión.


Horero Usina | Ventana Creativa: Francisco Lapetina, Regan Pimienta, Ernesto Donas y Alvaro Adib (UY)

Francisco Lapetina (UY)
Músico, artista sonoro, realizador audiovisual, productor. Director de Hornero Usina.
Su trabajo se sitúa en un territorio de exploración híbrida donde experimenta con la voz, el cuerpo, los instrumentos y la tecnología en sonido y video. Ha trabajado en obras de transdisciplina, arte sonoro en instalaciones y obras de danza contemporánea y dispositivos educativos de creación audiovisual colectiva como Hornero Migratorio con 44 experiencias realizadas. Cuenta con 5 álbumes musicales con composiciones y producciones propias, además de proyectos discográficos como productor. Forma parte del equipo de gestión de La Casa de Los Sueños, centro cultural socio-comunitario en Montevideo que trabaja con población vulnerable donde además desarrolla el taller “Fábrica de Canciones” (junto a Gonzalo Durán).
Ha sido premiado con fondos para proyectos por parte de ANII, Fondos Concursables y de Incentivo  Cultural (MEC), INAE, Premio Graffiti y el Festival Montevideo de la Canción. Capacitador en Formación para Emprendedores de Industrias Culturales y Creativas (DICREA-MEC) y UNESCO.
Su enfoque sobre la creación y producción artística es personal e integrador donde la creatividad, las relaciones humanas y las redes, las identidades locales y la educación asistida por la colaboración y la tecnología, tienen un rol estructural. Actualmente director del Proyecto Ventana Creativa.
www.franciscolapetina.com


Regan Pimienta (UY) 
Maestra, artista/ performer, gestora.
Maestra y directora, docente de Educación Primaria, docente de Artes Visuales y Artista. Forma parte del colectivo Hornero Usina. Desde el año 2000, es docente de Educación Inicial y Primaria. Trabaja en el ámbito de la educación formal y no formal, como Maestra en contextos de vulnerabilidad social. También se desempeña como Maestra Comunitaria y Adscriptora (Práctica). Desde el año 2017, ingresa por concurso al Área de Educación Artística como profesora de Artes Visuales. Su formación artística se desarrolla en la Facutad de Artes (UDELAR) y en diversas clínicas con artistas del medio. Ha realizado diversas prácticas artísticas vinculadas a la performance, la danza y la poesía, y su territorio de investigación está en el diálogo entre arte y educación. Actualmente, participa del desarrollo pedagógico y artístico del proyecto Ventana Creativa del Colectivo Hornero Usina y es Directora de una Escuela de Educación Artística de Anep-Dgeip en Canelones, Uruguay.
Desde una mirada contemporánea, busca generar experiencias interdisciplinarias y relacionales que provoquen acciones colectivas y colaborativas.

Ernesto Donas (UY)
Es montevideano e integra la Orquesta Filarmónica de Montevideo, en la que se desepeña como fagotista y contrafagotista. Es docente en el Instituto de Música/ Facultad de Artes/ Udelar- donde fue director entre 2012 y 2016- y coordinador académico del áre de música y voz en el IUDAE. Ha realizado estudios de doctorado en etnomusicología, es compositor de obras de cámara y de canciones populares. Como parte del colectivo Hornero Usina (hornero.uy), desarrolla y realiza proyectos en arte, cultura y educación basados en la experimentación y la creación colectiva y colaborativa. Publicó el libro Cantand la ciudad (Nordan, en coautoría con Denise Milstein) y artículos académicos enfocados e las políticas y poéticas de la canción popular latinoamericana. Ha escrito cuentos y poemas. En 2006 publicó Par, su primer libro de poesía y en 2021, Idas e voltas, en coautoría con Cristina Porto Costa. Está grabando Aluvial, su primer álbum de canciones y poesía sonora, ámbito en el que viene incursionando últimamente, además de proyectos de investigación y performáticos que abordan el sonido como sistema cultural.


Alvaro Adib (UY)
Fundador de La Casa del Árbol. Es fotógrafo y estudió Antropología en la UdelaR, Uruguay. Se formó como documentalista en la Universidad Popular de Madres de Plaza de Mayo. Es especialista en Educación Artística por el Centro de Altos Estudios de la OEI y diplomado en Educación y Medios por FLACSO Argentina. Integró el equipo de televisión participativa de TVciudad y fue docente en la Universidad de la República. Desde La Casa del Árbol produce contenidos audiovisuales infantiles, talleres de educación artística y actividades de formación para docentes. En 2019 obtuvo el apoyo de la Agencia de Investigación e Innovación para la creación de Plataforma CdA, una propuesta de streaming especializada en infancias.
Ha sido jurado de selección para el Festival Comkids 2021 y 2023 en SP, Brasil Festival Ojo al Piojo 2021 en Rosario, Argentina, Festival Prix Jeunesse 2022, Alemania. Desde 2022 es codirector y programador del Festival Intenacional de Cine Infantil Divercine. Trabaja como guionista para la serie Clan, el debate, de la RTVE, El día que me hice fuerte, Fundación Prix Jeunesse, Alemania, Tierra compartida, EscuelaPlus, Direct TV, Argentina. Actualmente Integra el equipo Hornero y Ventana Creativa.

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TALLERES ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________

ANGELA LOPEZ RUIZ  (PRESENCIAL)


ÁNGELA LOPEZ RUIZ (URUGUAY)
Magister en Estudios Latinoamericanos y Licenciada en Artes Visuales (UdelaR). Especializada en Estudios Amazónicos por la Universidad Nacional de Colombia. Trabaja como docente en la Escuela Comunitaria de Cine del Oeste (Uruguay) y ha sido profesora invitada en FLACSO (Uruguay), EICTV (Cuba) y el PhD in Practice de la Academia de Artes de Viena (Austria). Es parte del Laboratorio de Cine de la Fundación de Arte Contemporaneo y de Artistxs Visuales del Sur.
Participó como investigadora en ISMO ISMO ISMO Cine Experimental en América Latina de Los Angeles Film Forum para el Pacific Standard Time LA/LA de la Fundación Getty. Desarrolló su proyecto "Arqueología de la Imagen" en la Fundación de Arte Contemporáneo. Su investigación ha sido expuesta en la 29 ª Bienal de San Pablo (Brasil), PHD in practice de la Academia de Artes de Viena,7° Simposio Films huérfanos (NYU),  Working Documents (Barcelona), entre otros.
Como curadora destaca: Mujeres experimentalistas en América Latina -Hammer Museum, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive y Cine Tonalá de Tijuana (2017),Pioneras del Arte de Acción/ Centro Cultural de España (Montevideo,2016)  Southern Latitude/ Filmmakers Coop (2016) ,Antología de la Video performance en Uruguay/ Museo del Barrio/Nueva York (2008), y las cuatro ediciones de 05982 en la Fundación de Arte Contemporáneo. (2006-2009)
Junto a Juliana Rosales crearon los Focos de Acción presentado en 30ª Bienal de San Pablo (2012), 9ª Bienal de Salto (2011) y Encuentro Regional de Arte (2007). _____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
CONTRA LA DESESPERANZA_ TALLER CON FABRICIO GUARAGNA
La propuesta consiste en tomar conciencia de la potencia de nuestro cuerpo para generar otras formas de crear, afirmando la esperanza como motor creativo transformador del mundo. La esperanza cuaja en el cuerpo las posibilidades, y son esas posibilidades que vamos a tratar de encontrar. Para eso propongo una práctic que usa el concepto de prótesis como posibilitador de una otra forma, de una deshumanización para reconocer lo humano, corrernos de nuestro lugar para dar
espacio a lo insospechado. Esto se traslada a la educación de una forma inminente y necesaria. Debemos movernos y situarnos en otros lugares, donde cada agente educativo pueda ser visto, y pueda existir de un modo feliz. Salir de lo humano para poder entender lo humano. ¿Qué prácticas podemos potenciar para convocar la esperanza?, ¿En qué lugar del cuerpo se encuentra?, ¿la esperanza es humana?, y si nos pensamos desde la felicidad, cuando nuestro cuerpo se sacude, ¿qué queda?.




FABRICIO GUARAGNA
Artista visual, docente de Comunicación Visual e investigador en arte contemporáneo, performance y producciones transdisciplinarias. Gestor cultural en proyectos artísticos. Estudia pintura con Alicia Asconeguy desde el 2006 e ingresa a trabajar en el Museo Nacional de Artes Visuales, dentro de la dirección de Jacqueline Lacasa ese mismo año. Al día de hoy coordina el Área Educativa de dicho Museo, conectando el trabajo didáctico/pedagógico docente con el hacer artístico de producción uruguaya. En 2008 ingresa a la Fundación de Arte Contemporáneo bajo la dirección de Fernando Lopez Lage y desde ese momento forma parte del staff de artistas del colectivo trabajando en diversos proyectos, generando redes nacionales e internacionales. En 2013 inicia sus trabajos individuales en torno a lo performático transdisciplinario, conectando con Argentina y Uruguay. Realiza su obra "MUTANTE", y en el 2015 gesta el proyecto "Arte Degenerado" junto a varios artistas uruguayos. En 2019 realiza su primera exposición individual "DRAG" en la colección Engelman-Ost.
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EL CAOS ES UN ORDEN SALVAJE_ TALLER CON ANTAR KURI
Un taller donde equivocarse es un acierto y el caos no busca ser controlado sino acompañado. A través de instrumentos acústicos y digitales, objetos ruidosos y el propio cuerpo, se explorará la creación sonora colectiva desde la intuición, la escucha y la respuesta a lo eventual: sonidos inesperados del entorno, accidentes, repeticiones y manifestaciones relacionales. Un perro vecino que ladra, un camión que pasa o cualquier sonido, invocado o no, se incorpora a la experiencia.
La propuesta invita a aceptar todo aquello que acontece sonoramente y a interactuar con otras personas para intentar errar certeramente, colectivamente, con la intención de crear una música inexistente. El taller se divide en dos momentos: una primera instancia centrada en lo emergente y espontáneo, y una segunda enfocada en dinámicas dirigidas de escucha y composición colectiva.
La producción sonora será registrada durante toda la actividad y, hacia el final, se realizará una breve demostración de edición del material grabado para explorar cómo organizarlo con intención musical.
No se precisan conocimientos previos: el único requisito es la disposición a producir sonido y escuchar a quienes participan.

ANTAR KURI
Explora narrativas experimentales activando procesos improvisatorios donde la intuición y el accidente ocupan un lugar central. Ha desarrollado proyectos audiovisuales, musicales y editoriales de manera independiente, obteniendo diversos reconocimientos y acceso a fondos públicos. Dirige el sello de exploración sonora [MoM] rec, con el que ha publicado nueve lanzamientos de artistas internacionales, y ha producido conciertos y el festival de improvisación audiovisual IMPROBABLE (2009, 2024 y 2025). Su práctica articula la creación sonora, el diseño de herramientas experimentales y la mediación musical explorativa, con foco en la escucha y la experiencia. Es co-creador de ANIMAL, un instrumento virtual (secuenciador de sonidos) que permite escuchar ritmos dibujados, proyecto con el que ha realizado talleres y actividades en ciudades de distintos países
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EL CINE SIN CÁMARA, UNA HERRAMIENTA POSIBLE PARA ENTORNOS EDUCATIVOS.
TALLER CON GUILLERMO ZABALETA
“Tu película no está del todo hecha. La hace paulatinamente la mirada Imágenes y sonidos en situación de espera y de reserva”. Robert Bresson.
Esta instancia formativa propone hacer foco en facilitar herramientas audiovisuales para los abordajes de contenidos educativos, como ejes, par desarrollar esta actividad participativa y colaborativa. A través de ejercicios lúdicos, dinámicos e interactivos aplicados a las técnica del cine, la fotografía, al archivo (con sus variantes), la espacialidad, la acción y la luz, se invitará a generar procesos artísticos de participación activa .Esta actividad tiene la intensión de propiciar un marco de reflexión y sensibilización en lo referente al entorno social y personal, hilando la actividad desde el perfil artístico, y la búsqueda de acciones de mircopolitica educativa a través del pensamiento metafórico aplicado a la imagen y a la poesía visual. En tal sentido la fisicidad subvierte los modos de creación y las poéticas que conlleva, desde la abstracción a lo metafórico, no deteniéndose en el relato sino desde una mirada expandida a lo poético. Proyecta generar un entretejido de propuestas transversales que atraviesen las artes visuales, la literatura, el archivo afectivo, recorriendo y organizando dinámicas intergeneracionales. Es decir, orientado a un público abierto, donde los diferentes emergentes, sociales, culturales, patrimoniales, es decir, lA memoria, el territorio, el género, los feminismos, los DD.HH estén presentes a la hora de promover esta actividad. Con una mirada crítica y activista, contra la obsolescencia programada, el apagón analógico, la hegemonía digital y la cultural del algoritmo, como también, en los modelos colonialistas, de contenidos, proyección y estética.

GUILLERMO ZABALETA  (Uruguay)
Su trabajo proviene del cruce entre las artes escénicas y las visuales: la performance, las acciones en el espacio público, la reflexión de la acción, l fotografía y el cine expandido. Es en la investigación y práctica de técnicas expandidas, que surge un intersticio revelador a partir del trabajo con archivo fotoquímicos y sus posibles usos artísticos en el espacio. Surge esta pieza transversal en el puzzle de investigación espacial, como también en el núcleo del cuerpo de su obra. Es miembro de la Fundación de Arte Contemporáneo (fac) donde codirige el Laboratorio de Cine desde el 2009 a la fecha, ha trazado un programa de formación con una perspectiva pedagógica que articula proyectos colectivos, colaborativos, participativos y comunitarios. Como artista participo en la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) Argentina, III Bienal de Montevideo, 12ª Bienal de La Habana, IX y X Bienal de Salto, Bienal Europea Manifesta 8-Murcia, así como, en distintos festivale Muta, Lima, Al Este (Lima), Ambulante (México, Dobra (Rio de Janeiro), Cine de Cartagena (España); Festival des Cinémas Differents de Paris (Francia), Integra la Panorámica histórica del Arte Contemporáneo Uruguayo 2016.Su obra se incluye en muestra tales como Ismo, Ismo, Ismo: Experimental Cinema in Latín América, Redcat. L.A EE.UU, Cine a contracorriente (CCCB), Barcelona, La pantalla pintada, Argentina y Film Makers Coperative NY, entre otros. Primer premio adquisición en el 60º Salón Nacional de Artes Visuales “ Glady Afamado”, con la obra Estado de Pausa ,reconocimiento a la labor docente en Arte y Tecnología otorgado por Anilla Cultural Latinoamérica. Impartió talleres de cine en diferentes puntos del País, como también en Madrid, Murcia, Lima, La Habana, es invitado a la Maestría de Cine Alternativo en San Antonio de los Baños, en Cuba. ____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________



                                    




Desarrollado por el colectivo Hornero Usina en el marco del proyecto Ventana Creativa, Crisálida #25 tuvo lugar los días 22, 23 y 24 de setiembre del 2025 en Centro de Artes MUMA (Museo de la Madera / Campo Abierto), Departamento de Rivera, Uruguay.

Declarado de Interés Educativo por ANEP-CODICEN, de Interés Ministerial por el MEC y destinado a 45 docentes y/o educadores  de ANEP, UTEC y UDELAR, Crisálida #25 propone la exploración de campos creativos a través de la perspectiva del Arte como Educación.

Los participantes fueron parte de una experiencia inmersiva en modalidad residencia con tiempo destinado al intercambio y reflexión teórica a través de actividades de  “provocación-ponencia-conversatorio” con referentes internacionales, talleres experienciales a cargo de destacados artistas-docentes uruguayos y actividades de creación colectiva transdisciplinar.

PROYECTOS REC
Nos proponemos fomentar en los participantes el desarrollo de dispositivos pedagógicos (REC) a través del pensamiento artístico, con el objetivo de crear nuevas formas de estimular y promover el aprendizaje situado desde una perspectiva contemporánea.
La metodología REC estimula el desarrollo de prácticas colaborativas, colectivas y participativas entre quienes forman parte del proceso, siendo la pregunta y la imaginación algunos de los principales resortes de impulso.

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CRONOGRAMA GENERAL
LUNES 22/9
Mañana_ Apertura, Ponencias y Conversatorios
Tarde_ Talleres
Noche_Fogón

Martes 23/9
Mañana_ Provocaciones, Ponencias y Conversatorios 
Tarde_ Talleres
Noche_Creación Colectiva (Metamorfía)

Miércoles 24/9
Mañana_Creación de Proyectos
Tarde_ Presentación de Proyectos
17 hs_Cierre
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PONENCIAS Y CONVERSATORIOS
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LA ESCUELA UTÓPICA_CONVERSATORIO CON LUIS CAMNITZER (Virtual)
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¿Es posible y necesario plantearse una escuela utópica en el estado de cosas de la contemporaneidad en que vivimos? ¿Cuál sería su enfoque pedagógico y el lugar del pensamiento artístico en ese escenario? Luis Camnitzer propondrá una serie de reflexiones y ejercicios acerca de cómo la educación precisaría romper con las fronteras disciplinarias y centrarse en el aprendizaje transdisciplinario, promoviendo la curiosidad, la ingenuidad y la investigación activa. Para ello retoma como referencia inicial a Simón Rodríguez y a otros autores, invitando a repensar la motivación, el trabajo en equipo y la contribución colectiva. Plantea una educación, más que a través del arte, atravesada por el pensamiento híbrido que mezcla realidad y ficción, el absurdo y la fantasía, sin desconocer la IA y abordándola de forma compleja. Camnitzer instiga a pensar acerca de la escuela utópica como forma de explorar una educación más libre, creativa y crítica.



Luis Camnitzer (UY-EEUU)
Artista y pedagogo uruguayo que vive en Nueva York desde 1964. Participó en la Reforma del Plan de Estudios de la Escuela Nacional de Bellas Artes donde luego impartió clases hasta 1963. Es profesor emérito de la State University of New York, College at Old Westbury; entre 1999 y 2006 fue curador para artistas emergentes en The Drawing Center, Nueva York; fue curador pedagógico de la 6.a Bienal de Mercosur y curador pedagógico de la Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brasil, de 2007 a 2010. Hasta 2012 fue asesor pedagógico de la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Camnitzer, cofundador del colectivo Arte como Educación, recibió numerosos premios y becas y su obra se encuentra en las colecciones de más de treinta museos.


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INFANCIA Y ARTE: SIMPLE TRANSPARENCIA O COMPLEJA RELACIÓN_PROVOCACIÓN DE CARLOS SKLIAR  (Virtual)
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Carlos Skliar (ARG)
Investigador principal del Instituto de investigaciones sociales de América Latina (IICSAL) y del Área de Educación de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales, FLACSO-Argentina. Doctor en Fonología con Especialidad en Problemas de la Comunicación Humana, con estudios de posgrado en el Consejo Nacional de Investigaciones de Italia, en la Universidad de Barcelona y en la Universidad Federal de Río Grande do Sul, Brasil. Es Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional de Cuyo, Argentina.
Fue coordinador del Área de Educación de FLACSO Argentina en el período 2008-2011. Actualmente coordina los cursos de posgrado “Pedagogías de las diferencias” y “Escrituras: creatividad humana y comunicación” en la Sede Argentina de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales.
Ha dictado cursos de grado y de posgrado en diferentes universidades del país, de la región, y fuera del continente. Ha sido profesor visitante en diferentes instituciones del extranjero y es miembro editor y consultor de más de 50 revistas nacionales e internacionales en el área de la educación, la filosofía y la literatura.

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ESPACIOS PARA LO QUE AÚN NO EXISTE_CONVERSATORIO CON TAMARA CUBAS (Presencial)
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¿Puede una escuela parecerse a un taller, a una escena o a un refugio?
¿De qué manera la práctica artística puede abrir otros modos de aprender?
¿Cómo deberían ser los espacios educativos para albergar la creación, el cuerpo, el juego y el pensamiento?
Este encuentro propone un espacio de provocación y reflexión colectiva sobre los vínculos entre creación, educación y espacio.


Tamara Cubas (UY)
Artista uruguaya que desarrolla principalmente su producción en la escena, accionando en otros soportes como la performance y la instalación aunque su trabajo opera siempre sobre el cuerpo y las relaciones basándose en conceptos propios como la Estética de la Precariedad y la potencia de los cuerpos latinoamericanos dotados de memorias, historia y vivencias particulares y su constante búsqueda descolonizadora. Investiga en la noción del Otro, desarrollando proyectos con poblaciones y comunidades no artísticas. Basa su obra y pensamiento en sus propias experiencias teñidas por los procesos políticos en su país, como la dictadura militar, temas que aborda en algunas obras escénicas y expositivas. Participa activamente en el campo de la producción cultural diseñando y produciendo proyectos y acciones de difusión, formación e intercambio en el campo del arte y la cultura como Festivales, encuentros, seminarios etc. en la órbita pública y privada. Lleva adelante un emprendimiento propio, el Centro de Artes MUMA (Museo de la Madera) en Campo Abierto, Rivera-Uruguay, con servicios y programación especializada en arte y cultura desde donde se llevan a cabo diversos festivales como Nido, Festival Internacional de Artes Vivas y Festival de la Madera (diseño y arquitectura), Campamento Musical para adolescentes, entre otros.

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VI UN ÁRBOL: LA IMAGINACIÓN COMO SUSTRATO, POTENCIA Y HORIZONTE CREATIVO_CONVERSATORIO CON ISABEL MOLINAS  (Virtual)
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La metáfora de la Crisálida me invita a pensar en ese estado de transformación, anterior a la vida adulta. Retomo las ilustraciones de María Sibyla Merian en las que describe la metamorfosis de las mariposas, exploro los claveles de miel y de papeles en el mítico jardín de Marosa Di Giorgio, pienso en el mar de musgos del bosque chileno de Diego Alfaro Palma y, perfumada y feliz, regreso a mi propia biblioteca infantil, sabiendo que la poesía es la continuación de la infancia.
¿De qué manera promover, acompañar y celebrar cada una de estas metáforas que despiertan nuestra curiosidad y expanden nuestra imaginación? La educadora argentina Alicia Camilloni nos propone pensar en una enseñanza orientada al desarrollo de la creatividad: horizonte en el que el pensamiento divergente, característico de las metáforas, es una estrategia posible para recorrer caminos inesperados que liberan la imaginación, componente clave de la creatividad. De allí su relevancia en términos de sustrato, de tierra fértil, donde conviven diferentes voces que nos nutren y a las cuales nutrimos en un intercambio continuo. 
¿Qué puede aportar la experiencia artística en la educación? Al contribuir a soltar la imaginación moviliza nuevas perspectivas y ayuda a descubrir alternativas a las respuestas conocidas. Al respecto, la coreógrafa y educadora americana, Maxine Greene, remarca la importancia de las artes en los planes de estudios por su poder único para liberar la imaginación y ampliar la experiencia. Un camino posible es diseñar propuestas curriculares y contextos que proporcionen estrategias para comprender la condición relacional de toda atribución de sentido y para abordar las diferencias más allá de los mecanismos de distinción, el pensamiento artificial y la automatización creciente.
Ahora bien, ¿sólo la educación artística tiene este potencial? Cuando estoy en el jardín, los gestos botánicos se revelan ante mí como gestos estéticos que amplían la percepción y posibilitan una cognición enriquecía. Es allí que comprendo que, en los momentos en los que naturaleza y arte coinciden, nuestra comprensión de la vida se expande. En síntesis, una invitación para compartir poesía, semillas, nombres de pájaros, emociones, saberes construidos en los bordes del currículo y más preguntas.



Isabel Molinas (ARG)
Doctora en Educación por la Universidad de Buenos Aires. Magíster en Didácticas Específicas y Profesora en Letras, egresada de la Universidad Nacional del Litoral.
Profesora titular de la UNL y de la Escuela Provincial de Artes Visuales "Profesor Juan Mantovani". Dirige el Proyecto de investigación “La Enseñanza del Diseño de Experiencias en el Campo de la Comunicación Visual. Narrativas Múltiples en Escenarios Expandidos” (Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UNL) y la Maestría en Didácticas Específicas (Facultad de Humanidades y Ciencias de la UNL). Integra el Consejo Asesor de Ediciones UNL y dirige la Colección Umbrales de Vera Cartonera (UNL-CONICET).
Ha coordinado prácticas de educación experiencial sobre arte contemporáneo y participado como jurado y curadora en bienales y festivales en Argentina y Brasil.


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CONTRA EL YOPITALISMO, SOBERANÍA CULTURAL_CONVERSATORIO CON OMAR RINCÓN  (Virtual)
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•⁠ ⁠La educación es EL campo de la batalla cultural entre lo yopitalista y lo común
•⁠ ⁠El maestro es un trabajador de la cultura desde y en los territorios
•⁠ ⁠Para mover la educación hay que salirse de lo educativo hay que ir a lo popular, el arte y la coolture
•⁠ ⁠La propuesta es promover un maestro dj que construya ritmos mas festivos, gozosos y territoriales
•⁠ ⁠La propuesta es hacer soberanía cultural que nos lleve a hacer una educación inspirada en los modos de juntarse, gozar y saborear de los territorios.
Omar Rincón (COL)
Ensayista, periodista, profesor universitario, crítico de televisión y autor audiovisual. Investigador y profesor de Comunicación y Periodismo de la Universidad de los Andes. Magíster en Educación (CINDE, Bogotá), Master of Arts (SUNY, Albany, NY) y estudió dirección de cine en la Universidad de Nueva York. Candidato a PhD en Ciencias Humanas y Sociales [Universidad Nacional de Colombia]. Director del Centro de Estudios en Periodismo y de la Maestría en Periodismo de la Universidad de los Andes, analista de medios y cultura El Tiempo y director del Centro de Competencia en Comunicación para América Latina de la Fundación Friedrich Ebert.


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PROYECTO DISPARADORES DE AFECTOS
Arte, Educación y Vínculos en Movimiento 
(Colectivo Internacional ARG, CL, COL, UY)_(Participación Híbrida)
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Disparadores de Afectos es un proyecto que busca construir un entramado de sentido entr las prácticas pedagógicas y artísticas de colectivos de arte-educación latinoamericanos. A través de intercambios materiales y experiencias sensibles, se propone abrir conversaciones sobre los contextos socioculturales de cada país, fortalecer lo común, generar nuevas posibilidades de pensar el vínculo entre arte y educación en territorios que son ricos en desafíos y posibilidades.
El proyecto parte de la noción de disparador de afectos como impulso que detona preguntas, miradas y vínculos. Esta construcción sensible habilita espacios de escucha, reconocimiento mutuo y aprendizajes encarnados y situados. Una primera apertura será en Crisálida #25, Seminario de Educación Creativa con el fin de compartir con las comunidades educativas, a través de metodologías lúdicas y participativas, los avances de la investigación desarrollada hasta la fecha, los intercambios, y el repositorio material en proceso entre Argentina, Chile, Uruguay y Colombia.



Daniela Ricciardi (CL)
Artista y educadora. Docente de la Universidad de Santiago de Chile, actualmente cursa el Doctorado en Didáctica de la Expresión Plástica en la Universidad Complutense de Madrid. Su trabajo se enmarca en el potencial de la investigación en artes y el cruce entre arte y educación en la formación del profesorado.
Tiene una larga experiencia en el desarrollo de talleres y proyectos educativos en diversa instituciones sociales y culturales. Destaca su participación como artista - investigadora e iniciativas del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile vinculadas a arte contemporáneo en la formación de educadoras de párvulo, así como la coordinació del proyecto Educar la institución y Planeadores en el Centro Nacional de Art Contemporáneo Cerrillos y los Procesos Formativos desarrolladas durante 4 años con profesores y educadores de distintas regiones del país. Su interés principal está ligado las prácticas del arte contemporáneo y colaborativo en sus posibilidades como dispositiv de aprendizaje y vínculo entre diferentes disciplinas. Actualmente forma parte del Colectivo Hab con quienes desarrolla proyectos en estas líneas de trabajo.

Andrea Ferrando (AR) 
Licenciada en Gestión e Historia de las Artes (USAL), Maestranda en Gestión de la Cultura (UdeSA), Profesora en Educación Primaria (ENS N°2) y Fotógrafa Profesional (EFC). Actualmente se desempeña como docente en Escuelas Primarias de Adultos dentro del Área de Materias Especiales y en el nivel superior.
Dentro del campo de la gestión cultural, forma parte del colectivo de Experiencias Pedagógicas de Educación a través del Arte (EPEA) y de Panorama, un espacio cultural dedicado a la experimentación y difusión del arte sonoro y la música experimental.

Carolina Bellei (CL)
Profesora de Artes Visuales y Artista Visual, Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Profesora en la Universidad del Desarrollo y Universidad Finis Terrae, y del Colegio Craighouse en Santiago de Chile.
Carolina comparte su vida con Mauricio y la crianza de sus 2 hijos: Estela y Diego. Los cuatro deambulan entre la capital en donde estudian, trabajan y realizan su vida de lunes a viernes, y la playa en los Molles en donde se están construyendo su verdadero lugar en el mundo los fines de semana.
Carolina conjuga varios intereses como el arte, los procesos enseñanza - aprendizaje, la naturaleza, el mundo vegetal, la vida al aire libre, la playa y la crianza. Por estos días está desarrollando un proyecto de restauración de suelo en su parcela en los Molles, y en el colegio Craighouse. Por otro lado, ha estado investigando y compartiendo junto a Colectivo Hab desde sus inicios, intentando llevar a la participación con otres todos estos mundos afectivos.

Nancy Čila Q. (Santiago de Chile - 1974)
Profesora y artista con más de 25 años de experiencia en la enseñanza de Artes Visuales en educación media. Desde 2010 ha trabajado también en la formación docente en distintas universidades, en los niveles de educación parvularia y media. Es Magíster en Artes por la Pontificia Universidad Católica de Chile y Diplomada en Competencias Didácticas para las Artes Visuales por la Universidad de O’Higgins. Ha sido consultora externa del Consejo Nacional de Educación en evaluaciones curriculares y profesional de apoyo en el desarrollo de la prueba de Reconocimiento del Desarrollo Profesional Docente en el Centro MIDE UC.
Paralelamente, ha desarrollado una trayectoria artística con exposiciones individuales y colectivas. Desde el año 2020 integra el Colectivo HAB junto a Carolina Bellei y Daniela Ricciardi. El colectivo propone una práctica basada en experiencias y dispositivos creativos, entendiendo el arte como un espacio de aprendizaje permanente. Su enfoque se caracteriza por una postura dialogante y reflexiva, que busca pensar la sustentabilidad desde nuevas formas de relación entre seres vivos, incorporando aspectos como la materialidad, los afectos y la colaboración. Han realizado activaciones dirigidas a agentes del ámbito educativo y artístico, participando en congresos, seminarios y bienales tanto en Chile como en el extranjero.




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VENTANA CREATIVA Y LOS RESORTES DE EDUCACIÓN CREATIVA |CONVERSATORIO CON HORNERO USINA
El proyecto Ventana Creativa tiene como objetivo promover el arte como educación colocando a los procesos creativos, la reflexión, la colaboración y la inclusión, como habilidades esenciales para el desarrollo humano y construcción de comunidad.
Desarrolla los Resortes de Educación Creativa (REC) como dispositivos pedagógicos y el Seminario Crisálida como espacio de formación y reflexión.


Horero Usina | Ventana Creativa: Francisco Lapetina, Regan Pimienta, Ernesto Donas y Alvaro Adib (UY)

Francisco Lapetina (UY)
Músico, artista sonoro, realizador audiovisual, productor. Director de Hornero Usina.
Su trabajo se sitúa en un territorio de exploración híbrida donde experimenta con la voz, el cuerpo, los instrumentos y la tecnología en sonido y video. Ha trabajado en obras de transdisciplina, arte sonoro en instalaciones y obras de danza contemporánea y dispositivos educativos de creación audiovisual colectiva como Hornero Migratorio con 44 experiencias realizadas. Cuenta con 5 álbumes musicales con composiciones y producciones propias, además de proyectos discográficos como productor.
Forma parte del equipo de gestión de La Casa de Los Sueños, centro cultural socio-comunitario en Montevideo que trabaja con población vulnerable donde además desarrolla el taller “Fábrica de Canciones” (junto a Gonzalo Durán).
Ha sido premiado con fondos para proyectos por parte de ANII, Fondos Concursables y de Incentivo
Cultural (MEC), INAE, Premio Graffiti y el Festival Montevideo de la Canción. Capacitador en Formación para Emprendedores de Industrias Culturales y Creativas (DICREA-MEC) y UNESCO.
Su enfoque sobre la creación y producción artística es personal e integrador donde la creatividad, las relaciones humanas y las redes, las identidades locales y la educación asistida por la colaboración y la tecnología, tienen un rol estructural. Actualmente director del Proyecto Ventana Creativa.
www.franciscolapetina.com


Regan Pimienta (UY) 
Maestra, artista/ performer, gestora.
Maestra y directora, docente de Educación Primaria, docente de Artes Visuales y Artista.
Forma parte del colectivo Hornero Usina. Desde el año 2000, es docente de Educación Inicial y Primaria. Trabaja en el ámbito de la educación formal y no formal, como Maestra en contextos de vulnerabilidad social. También se desempeña como Maestra Comunitaria y Adscriptora (Práctica). Desde el año 2017, ingresa por concurso al Área de Educación Artística como profesora de Artes Visuales. Su formación artística se desarrolla en la Facutad de Artes (UDELAR) y en diversas clínicas con artistas del medio. Ha realizado diversas prácticas artísticas vinculadas a la performance, la danza y la poesía, y su territorio de investigación está en el diálogo entre arte y educación. Actualmente, participa del desarrollo pedagógico y artístico del proyecto Ventana Creativa del Colectivo Hornero Usina y es Directora de una Escuela de Educación Artística de Anep-Dgeip en Canelones, Uruguay.
Desde una mirada contemporánea, busca generar experiencias interdisciplinarias y relacionales que provoquen acciones colectivas y colaborativas.

Ernesto Donas (UY)
Es montevideano e integra la Orquesta Filarmónica de Montevideo, en la que se desepeña como fagotista y contrafagotista. Es docente en el Instituto de Música/ Facultad de Artes/ Udelar- donde fue director entre 2012 y 2016- y coordinador académico del áre de música y voz en el IUDAE. Ha realizado estudios de doctorado en etnomusicología, es compositor de obras de cámara y de canciones populares. Como parte del colectivo Hornero Usina (hornero.uy), desarrolla y realiza proyectos en arte, cultura y educación basa-
dos en la experimentación y la creación colectiva y colaborativa. Publicó el libro Cantand la ciudad (Nordan, en coautoría con Denise Milstein) y artículos académicos enfocados e las políticas y poéticas de la canción popular latinoamericana. Ha escrito cuentos y poemas. En 2006 publicó Par, su primer libro de poesía y en 2021, Idas e voltas, en coautoría con Cristina Porto Costa. Está grabando Aluvial, su primer álbum de canciones y poesía sonora, ámbito en el que viene incursionando últimamente, además de proyectos de investigación y performáticos que abordan el sonido como sistema cultural.


Alvaro Adib (UY)
Fundador de La Casa del Árbol. Es fotógrafo y estudió Antropología en la UdelaR, Uruguay. Se formó como documentalista en la Universidad Popular de Madres de Plaza de Mayo. Es especialista en Educación Artística por el Centro de Altos Estudios de la OEI y diplomado en Educación y Medios por FLACSO Argentina. Integró el equipo de televisión participativa de TVciudad y fue docente en la Universidad de la República. Desde La Casa del Árbol produce contenidos audiovisuales infantiles, talleres de educación artística y actividades de formación para docentes. En 2019 obtuvo el apoyo de la Agencia de Investigación e Innovación para la creación de Plataforma CdA, una propuesta de streaming especializada en infancias.
Ha sido jurado de selección para el Festival Comkids 2021 y 2023 en SP, Brasil Festival Ojo al Piojo 2021 en Rosario, Argentina, Festival Prix Jeunesse 2022, Alemania. Desde 2022 es codirector y programador del Festival Intenacional de Cine Infantil Divercine. Trabaja como guionista para la serie Clan, el debate, de la RTVE, El día que me hice fuerte, Fundación Prix Jeunesse, Alemania, Tierra compartida, EscuelaPlus, Direct TV, Argentina. Actualmente Integra el equipo Hornero y Ventana Creativa.


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TALLERES
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AULARIO PARA LA TRANSMISIÓN DE DESEOS_ TALLER CON COLECTIVO CRUJE / CLAUDIA CAMPOS y CLAUDIO BURGUEZ
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Mediante la escritura como forma de apropiación, El Colectivo CRUJE plantea un ejercicio de práctica situada y hackeo del uso habitual del lenguaje para construir nuevos sentidos. Con lxs integrantes de cada grupo exploraremos la posibilidad de renombrar palabras de su cotidianidad como educadores/mediadores diseñando un glosario ficcional y colaborativo. Para poder resignificar esas expresiones utilizaremos diferentes dispositivos de creación de textos indagando libremente en la historia breve, el poema, la lista y otros recursos literarios. Lo generado en cada taller será legado por transitiva al grupo siguiente para que lo asimile y proponga un conjunto nuevo de conceptos, contribuyendo así al finalizar nuestros encuentros, a formar una primera versión del glosario. Este cuerpo de escritura podría seguir vivo y abierto a los aportes de lxs participantes de Crisálida 25 así como a otras personas/colectivos del medio educativo y artístico, a quienes se quiera invitar. Pensamos en que esta herramienta pueda amplificarse a otros ámbitos como un juego de comunicación e intercambio creativo.


Claudia Campos (UY)
Escritora y actriz egresada de la EMAD.
Publicó La carne es Devil (Yaugurú) premiado por el MEC y Jardín interior (editado en Uruguay por la Propia Cartonera y Pez en el Hielo y en España por Ediciones Lilliputienses).
Es seleccionada en residencias híbridas entre artes visuales y escritura: Fortuito - Casarodante, Una mujer está bordando - Museo Zorrilla de San Martín y Hay un insecto en el jardín - Espacio de Arte Contemporáneo.
Integra diversos colectivos con los que explora la dramaturgia colaborativa: El negro va con todo, Lo peor de nosotros mismos, Diez de cada diez, Potocas, Mujeres que cantan y Los derechos de la salud.
En 2021, recibió una beca de creación desde Idensitat – CMCV (Valencia, España) por el proyecto “Turia, el loco”.
Crea CRUJE Escrituras Transversales junto a Claudio Burguez. Este laboratorio se realizó en el Centro de Exposiciones SUBTE, en la Escuela de Poesía del Teatro Solís y en espacios domésticos en Valencia (España).
Colabora con Idensitat, plataforma de arte en territorio, en el proyecto Ciudad Ilustrada (Barcelona, España).
Beca FEFCA (MEC) en categoría Letras.
Desarrolla BarrioFicción, proyecto de mediación entre el EAC y el colectivo CRUJE.
En “Macondo” (Teatro Solís) CRUJE colabora con Giro Gráfico proponiendo “Oblicua – Interferencia poética desde los sures”.
Jurado en Premio Onetti (Poesía), Movida Joven (Poesía y dramaturgia) y FEFCA (Letras).
En 2024 trabajó en la codirección de la pieza escénica “Turia el loco” estrenada en España junto con artistas valencianxs.

Claudio Burgues (UY)
Escritor y artista visual.
Desde 1992 funda varias bandas o colectivos artísticos: Los Malditos, Los Negros, Transitiva y Mondorocko con los que ha participado en diversas muestras e intervenciones urbanas.
Publicaciones: Finlandia, 2006. El gran Algo, 2010. Perro de Aeropuerto 2011 (Estuario, reeditado por Ediciones Liliputienses, España). Las cosas que quiero no se quieren entre sí, 2019 (Pez en el hielo). La sangre, 2021 (Pez en el hielo). Algunos de estos libros que han recibido diferentes menciones y premios y reseñas internacionales. Como curador ha participado en: Transfiguraciones (FILBA: Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires 2014, Sinestesia (EAC, Mundial de Poesía 2015. Desmantelamiento (Pera de Goma, 2016).
Organizó el Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires - Montevideo en 2014 y 2015.
Participó en el Mundial de Poesía de Montevideo en el 2013, 2015 y 2017.
En 2018 gana el FEFCA (MEC) a la trayectoria.
Junto a Claudia Campos funda Residencias Silvestres y el colectivo CRUJE con el que ha desarrollado proyectos de mediación artística y expositivos en SUBTE Municipal (“¿Qué nos diría la ciudad si le hiciéramos las preguntas correctas?”, 2022), EAC + CDF (“Barrioficción”, 2023) y Teatro Solís + Giro Gráfico (“Oblicua”, 2023).
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PORQUE TODO ES POSIBLE_ TALLER CON PAULA BADER
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Mover la emoción: impulso que induce a la acción, sacar de su lugar
Crear: dar origen a algo nuevo, engendrar (hacer nacer).
Comprendernos desde la creación orgánica, seguir al impulso creador que se genera desde el movimiento, el cuerpo como herramienta receptora y generadora de poesía en el espacio. Soltamos tensiones y exigencias de la vida cotidiana mediante el movimiento auténtico y personal para extraer la expresión genuina del ser, que por excelencia y origen, es creador. De lo más simple, cotidiano y conocido como el caminar, al juego en el espacio que nos lleva hacia la noción que todo es posible.
Porque todo es posible, y quien nos lo recuerda es nuestro niñx adentro. Caminar con nuestrx niñx, ese que fuimos y dejarnos sostener por su sabiduría. Sabernos en su compañía. Para recordarnos como acompañantes acompañados en cualquier proceso educativo.
Hacernos la pregunta: ¿puedo reconocer al otrx como ser creativo sin reconocerme como tal ?


Paula Bader (UY)
Actriz, Poeta, Bailarina cotidiana, he realizado diversos espectáculos vinculando al teatro, la poesía en escena, artes plásticas, la música y la danza contemporánea.
Egresé de la facultad de Artes, Universidad Nacional de Tucumán. Participé en diversos espectaculos teatrales y coordiné grupos de creación colectivas, formé parte del grupo de teatro independiente Alunadas, realizando funciones en el Montevideo y el interior del País.
Publiqué dos libros objeto "Corazonada" ,editorial Yaugurú y "MUTA" (colectivo de mujeres)
Coordino un espacio de Exploración del movimiento llamado Movimiento en SI.
Soy terapeuta Gestáltica de adultos, parejas y grupo. Hace más de veinte años que recorro el camino de la integración de las artes, partiendo del teatro ritual desdibujando los límites entre el escenario y el público, generando espacios de participación y reflexión colectiva. Creo en los círculos como vía de composición y creación.
Actualmente me encuentro dictando talleres de crecimiento personal, creatividad y conciencia corporal, soy docente de la escuela de poesía "Más acá de los mundos" en el Teatro Solis.

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ESPACIO DE ENSAYO Y ERROR_ TALLER CON SEBASTIÁN BÁEZ
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El taller se presenta como un momento para ensayar. Un espacio donde el cuerpo, el grupo y el juego permitan explorar el error sin prisa. Ensayar se convierte en un gesto: probar, fallar, quedarnos en el intento. Errar se transforma en una potencia, en una forma de estar presente.
A partir del lenguaje escénico del clown, se propone desafiar lógicas como el saber, la eficacia y la verdad, para dar paso a otras: la vacilación, la torpeza, la contemplación y el afecto.
El arquetipo del payaso se presenta aquí como una referencia tanto estética como política, que en articulación con la noción de experiencia de Jorge Larrosa, propone la busqueda de un acontecimiento sensible.
Espacio de Ensayo y Error implica dinámicas del teatro físico, improvisación y composición colectiva, creando un laboratorio donde el titubeo y la interrupción no se corrigen, sino que se vuelven material nutritivo. También es una invitación a detenerse en lo incierto, sin tener que resolverlo. Y sostener la pregunta sin apurarse a responder.
Un tiempo breve, compartido, para develar todo lo que se esconde detrás de un error.


Sebastián Báez (UY)
Licenciado en Psicología (UdelaR) con formación de posgrado en Psicodrama. Actor, director teatral y gestor cultural, desarrolla desde hace más de 15 años propuestas que integran arte, educación y salud mental, con énfasis en dispositivos grupales y comunitarios. Ha coordinado proyectos en centros educativos formales y no formales, así como programas de formación para docentes y emprendedores/as, explorando el potencial pedagógico de las artes escénicas. Como cofundador de la compañía de teatro Opa!, ha participado en espectáculos, talleres y propuestas de intervención en centros de salud desde 2009.
Desarrolla una línea de investigación sobre las artes vivas y la composición escénica, con foco en el juego como dimensión creativa, articulando herramientas del teatro físico, la dramaturgia corporal y el trabajo colectivo.

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ESCUCHA PROFUNDA Y CREACIÓN COLECTIVA DE PAISAJES SONOROS_TALLER CON MARCOS UMPIERREZ
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Este taller invita a sumergirse en la escucha activa y la creación colectiva a partir del sonido.
Se propone una experiencia sensorial, reflexiva y colaborativa
Objetivos
● Fomentar una escucha atenta y consciente del entorno sonoro.
● Explorar el sonido como forma de expresión y creación colectiva.
● Conocer conceptos de paisaje sonoro y escucha profunda.
● Estimular la imaginación y la memoria auditiva.
● Promover el juego, la colaboración y el cuidado del entorno a través del sonido.
La propuesta se desarrolla combinando la activación de la escucha activa, caminata sonora, exploración con objetos cotidianos, la voz y la tecnología, improvisación colectiva y reflexión.


Marcos Umpiérrez (UY)
Magíster en Arte y Cultura Visual por la Facultad de Artes de la Universidad de la República (UDELAR), donde se desempeña como Profesor Adjunto y coordinador del Área de los Lenguajes Computarizados y de la Licenciatura en Arte Digital y Electrónico. También es docente en la Licenciatura en Comunicación y Diseño Visual, compartida por la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo y la Facultad de Artes. Su trabajo cruza arte, tecnología y activismo ambiental, con un fuerte enfoque en el arte sonoro, la performance y las prácticas colaborativas y territoriales vinculadas al ambiente. Ha participado en múltiples comités de egreso y tesis, así como en publicaciones y congresos internacionales. Su producción artística se ha presentado en Uruguay, Chile, Argentina, Colombia, Brasil, España e Italia, explorando las posibilidades del arte electrónico y performático como forma de reflexión crítica sobre el medio ambiente. Es integrante activo de la Asamblea por el Agua del Río Santa Lucía, donde participa en acciones colectivas en defensa del territorio, el agua y los bienes comunes.





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Crisálida #24, desarrollado los días 6, 7 y 8 de setiembre de 2024, fue un espacio orientado a docentes y artistas con interés en la exploración de campos creativos a través de la perspectiva del arte como educación. En Crisálida #24 se desarrollaron espacios y temporalidades activas y reflexivas en torno a la educacióncreativa. A partir de la experiencia del colectivo Hornero Usina en su Proyecto Ventana Creativa se plantearon tanto activaciones e intercambios teóricos como ámbitos de exploración artística y pedagógica, motores del encuentro formativo multiplicador para docentes, educadores y artistas en actividad.

Crisálida #24 ofreció al contexto educativo contemporáneo la posibilidad de explorar y potenciar la condición creativa y su rol en los aprendizajes y el desarrollo humano a través de dispositivos de pensamiento artístico. Para ello consideramos la centralidad de tres aspectos indisolubles en la creación:

1. lo colectivo y colaborativo como principios del desarrollo personal y relacional con otros y con los entornos 
2. la potencia de la experiencia
3. la relevancia de lo singular, la sensibilidad, el pensamiento y la acción

Se llevó a cabo en el IUDAE (Instituo Universitario de Artes Escénicas)_ Dr. José Scosería 2829, Montevideo,  del 5 al 7 de setiembre de 2024.

Ponencias y Talleres 2024



Luis Camnitzer (EEUU | URU)
Conferencia: “Adiós a los libros”
La inteligencia artificial (IA) y los chatbots irrumpen de forma masiva en la sociedad, la educación y el arte en 2022. Estos avances tecnológicos están transformando nuestra forma de buscar y procesar información, alterando la distribución del poder y el control sobre el conocimiento. Nos preguntamos si efectivamente existen riesgos potenciales para la creatividad y la toma de decisiones humanas. Sin embargo, es preferible poner el énfasis sobre la importancia de la fantasía y la imaginación como herramientas de resistencia contra la algoritmización del pensamiento. En este contexto, es necesario redefinir el papel del artista y de la educación en la era de la IA desde una "pedagogía de la resistencia" que incluya alfabetización tecnológica crítica, el pensamiento crítico y fomento de la creatividad humana. Vivimos en la paradoja de utilizar la IA para desarrollar estrategias de defensa contra ella misma, con la imperiosa necesidad de mantener la autonomía y la creatividad humana en este nuevo contexto tecnológico.



Mónica Hoff (BR)
Conferencia: “Arte y educación, nuestras mejores rebeliones”
Si el arte hace que la educación sea más interesante que el arte mismo, y la educación hace que el arte sea más interesante que la educación misma; si tiene la capacidad de nombrar lo innombrable y al mismo tiempo hacernos pensar políticamente el mundo; y si su utilidad es precisamente ser inútil y la de la educación ser nuestra rebelión; ¿qué puede hacer la educación artística con eso? En esta ponencia Mônica Hoff abordará las relaciones entre arte y educación como fuerzas críticas entre sí, que al retroalimentarse producen fricciones importantes en lo que consideramos conocimiento y en nuestras formas de aprender, y principalmente de desaprender lo establecido.




Fernando Velázquez (BR | URU)
Conferencia:  “IA en la educación: desafíos y oportunidades”
La ubicuidad y la pervasividad de las tecnologías contemporáneas actúan como dispositivos de aprendizaje en sí mismos, trascendiendo la sala de aula. En esta ponencia, desarrollamos algunas de las características de la IA generativa y especulamos sobre su impacto en la cognición, la creatividad y la educación desde una perspectiva crítica. Reflexionaremos sobre los desafíos y las oportunidades de su uso, identificando los riesgos asociados a su implementación en contextos educativos, subrayando la importancia de una aproximación cautelosa que priorice el desarrollo humano y evite la dependencia tecnológica, la tercerización de tareas propiamente humanas, y los procesos que desvirtúen el aprendizaje.

Taller: “Inteligencia Artificial en la educación: oportunidades y desafíos”
La inteligencia artificial (IA) está cambiando rápidamente el mundo que nos rodea. En este taller nos proponemos desglosar los conceptos básicos de la IA y explorar de forma conjunta, y a partir de la experiencia de los participantes, cuáles son sus potenciales y sus desafíos en el contexto educativo. Nos preguntaremos cuál es su impacto en los procesos cognitivos, creativos, didácticos y pedagógicos, buscando comprender cómo estas herramientas pueden enriquecer el aprendizaje, al tiempo que reflexionaremos sobre los sesgos, las implicaciones éticas y las dificultades prácticas de su uso.



Tamara Cubas (URU)

Taller: “Narrativas Colectivas” Se presenta un taller que integra el cuerpo, la acción, el relato y lo colectivo como herramientas transformadoras para quienes trabajan en contextos de aprendizaje. En este espacio, se explorará el cuerpo como territorio de experiencia compartida y creación colectiva, donde cada gesto y movimiento se convierte en una narrativa significativa. Mediante dinámicas de movimiento, construcción de relatos y trabajo colaborativo, se generarán oportunidades para experimentar y reflexionar sobre el impacto transformador de estas prácticas, promoviendo una comprensión profunda y enriquecedora en diversos contextos comunitarios.

Gabriel Richieri (URU)
Taller: “Poesía en escena”
Todos somos creadores. Crear es parte de nuestra esencia, estamos vivos porque creamos a diario. La palabra escrita y dicha es una gran herramienta de creación y nuestro principal medio de comunicación. El propósito primero de este taller es recuperar la palabra como herramienta creativa y ponerla al servicio del arte.
Mediante una meditación guiada trataremos de generar un primer contacto con nuestro ser, viajaremos hacia un lugar de seguridad donde conectar con nuestro poder creativo. El lugar donde YO SOY. Desde allí trabajaremos la escritura automática y a partir de ese resultado empezaremos a compartir nuestra creación primero con la voz y luego con el cuerpo. Mediante simples ejercicios guiados vamos a transitar desde una lectura simple hasta una puesta en voz que integre el cuerpo en escena.




Sofía Scheps (URU) + Vladimir Guicheff (URU)                  
Taller: “Otra escucha”
Este taller invita a concientizar sobre el fenómeno sonoro como parte integral de la vida y plausible de conformar diversas formas musicales. Se propondrán consignas específicas para ejercitar la escucha activa y consciente como herramienta fundamental para plantear preguntas sobre nosotros mismos y nuestro vínculo con el entorno. A través de estas experiencias se expondrán algunas herramientas básicas de la tradición de la música experimental, para que quienes participen puedan adaptarlas e incorporarlas a su quehacer cotidiano y a sus prácticas pedagógicas. El taller se presenta como un espacio de experimentación sonora libre de pre-conceptos que limiten el disfrute de cualquier sonido como experiencia estética.


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Antecedente: Crisálida #1. Setiembre de 2018 CAF (Centro Agustín Ferreiro), Febrero de 2019 Colonia de Vacaciones de ANEP junto a docentes de Educación Artísitica de ANEP.




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